Hoy cumple 60 años el guitarrista y cantante de blues Robert Cray, nacido en Columbus (Georgia). Es uno de los contadísimos músicos relativamente jóvenes que ha logrado, gracias a su talento y perspectiva, acomodar el idioma del blues al siglo XXI, sin necesidad de imitaciones serviles o de tocar simple rock haciéndolo pasar como blues.
Nacido como hijo de militar, Robert pasó su infancia viajando por todo el país. Los constantes cambios de residencia habían hecho de Cray un niño tímido e introvertido, por lo que cuando le pidió a su madre que le comprara una guitarra se refugió en la música y gracias a la inmensa colección de discos de su padre, que comprendía géneros como el gospel, R&B, jazz y blues tradicional, Robert recogió numerosas influencias. Asimismo se dejó llevar por la beatlemania en los años sesenta y, durante su estancia en la high school de Newport (Virginia), formó parte de una banda llamada Steakface que realizaba versiones de Hendrix, Fleetwood Mac y Otis Redding. Para entonces, Robert ya había descubierto entre los vinilos de su padre las grabaciones de Howlin' Wolf y Muddy Waters, las cuales le impresionaron prufundamente. "En aquel momento", recuerda Cray en una entrevista con Down Beat, "me convertí en un fanático del blues. Nadie podía convencerme de que existiese algo mejor". Su pasión por Albert Collins le hizo remover cielo y tierra para conseguir que contrataran al guitarrista en 1968 para la fiesta de graduación de su high school.
En 1969 la familia se instaló definitivamente en Tacoma (Washington), donde Robert conoció al músico local y bajista Richard Cousins con quien comenzó a tocar, experimentando con temas de blues tradicional y actuando en bares de Tacoma, hasta que lograron desarrollar un sonido propio. En 1974 se encontraban en Eugene (Oregon) y Robert Cray formó su primera banda, que además de Cousins al bajo contaba con Tom Murphy a la batería. Cray aún era extremadamente tímido y su miedo escénico era tan fuerte que, a pesar de ser el líder y cantante, las canciones las tenía que presentar Cousins. La amistad que surgió con Albert Collins años atrás se mostró provechosa, ya que el bluesman los contrató como banda de acompañamiento en una de sus giras. Aquí los miembros de la Robert Cray Band no sólo adquirieron experiencia escénica tocando en grandes recintos; también, gracias a los consejos de Collins, aprendieron mucho sobre los aspectos financieros y comerciales del negocio musical.
En 1978, Cry hizo amistad con John Belushi y eso llevó a su aparición fugaz como bajista de la banda Otis Day and the Knights, que actúa en la fiesta de la película 'National Lampoon's Animal House' (Desmadre a la Americana). Ese mismo año, el grupo de Cray atrajo la atención del sello Tomato Records tras su actuación en el San Francisco Blues Festival. Desafortunadamente, la discográfica se encontraba atravesando una crisis económica, por lo que la aparición del álbum, 'Who's Been Talkin' se demoró hasta 1980, poco antes de que quebrara definitivamente el sello.
La banda volvió al circuito de festivales, donde uno de los promotores, Bruce Bromberg les ofreció producir su segundo álbum en su sello, HighTone. En 1983 apareció 'Bad Influence', cuyo éxito les proporcionö la oportunidad de realizar giras por el Reino Unido y Japón, en una de las cuales Cray coincidió con Eric Clapton, comenzando con él una relación amistosa que dura hasta hoy.
Su siguiente trabajo, 'False Accusations' apareció en 1985 con una formación diferente. Esta vez acompañaban a Cousins y Cray el teclista Peter Boe y el baterista David Olson y todas los temas del álbum eran composiciones originales de Cray y la banda. Ese mismo año, Cray grabó junto a los guitaristas Johnny Copeland y Albert Collins el álbum 'Showdown!', que le supuso su primer Grammy.
La expectación creada con el protagonismo de Cray en 'Showdown', llevó a los responsables de Mercury Records a fichar a la Robert Cray Band, que en 1986 graba 'Strong Persuader', álbum en el que Cray fusiona el blues con el rock, el jazz y el R&B. Una reseña en el Guitar Blues Magazine decía así: "Por un lado, el álbum no contiene un sólo tema que sea estrictamente blues, pero por el otro, todo es blues, el blues de los ochenta. El guitarrista y cantante es fiel al espíritu del género sin recurrir a la estructura tradicional". El eclecticismo del álbum también lo acercó a mayores audiencias. El álbum vendió dos millones de copias, obtuvo el segundo Grammy para Cray y la imagen del guitarrista comenzó a ser habitual en el canal de MTV.
En 1988 se publica 'Don't Be Afraid Of the Dark', que también es muy bien recibido vendiendo medio millón de copias. A pesar de sus éxitos de ventas, Cray no se sentía satisfecho porque percibía que su público estaba mayoritariamente compuesto por blancos. Los jóvenes afroamericanos estadounidenses relacionaban el blues con la generación de sus padres y a éstos les evocaba tiempos difíciles. Además los tradicionalistas del género, a los que Cray denominaba cariñosamente 'bluenatics', acusaban a Robert de comercializarlo para el consumo pop.
Intentando atraer a los jóvenes negros norteamericanos, su siguiente álbum 'Midnight Stroll' tenía un toque más funky con la añadidura del dúo de metales Wayne Jackson y Andrew Love, conocidos como los Memphis Horns, además de otros músicos. Las críticas fueron muy positivas y los fans recibieron el nuevo sonido con agrado.
En 1992 se publicó 'I Was Warned' y fue invitado al concierto 'Guitar Legends' celebrado en la Expo de Sevilla. Un año después causó un gran revuelo en la comunidad blues cuando apareció su trabajo 'Shame + A Sin', cuyas composiciones apuntaban más hacia la estructuras musicales del blues tradicional. Los puristas agradecieron que tomara distancia con el blues contemporáneo que había realizado hasta entonces y vieron su giro musical como algo positivo en su carrera. Fue también el primer álbum en el que Cray se hacía cargo de la producción y aprovechó esa libertad para crear un ambiente de grabación de 'taberna de blues', por lo que no dudó en desafinar algunas cuerdas del piano y retirar el parche frontal del bombo de batería durante la grabación. Asimismo invitó a su viejo amigo Albert Collins a acompañarle en uno de sus temas. Para su siguiente álbum, 'Some Rainy Morning' (1995) prescindió de la sección de viento para conseguir más espontaneidad en el estudio y algunos temas están grabados en directo, sin recordings adicionales. Su última entrega con Mercury Records fue 'Sweet Potato Pie' (1997).
Tras trece años con una discográfica importante, Cray firmó con el sello independiente Rykodisc. El resultado fue 'Take Your Shoes Off', publicado en 1999. Aquí Robert le cedió la producción a Steve Jordan, que optó por dar más protagonismo a la voz de Cray que a su guitarra. Volvieron a colaborar los Memphis Horns y el álbum se grabó en Nashville. Recibió un Grammy por 'Mejor álbum de blues contemporáneo' y asimismo marcó el 25 aniversario de la Robert Cray Band.
Jordan produjo también el siguiente trabajo de Cray, 'Shoulda Been Home' (2001) que, como el anterior, ponía más atención a su talento vocal. Robert se mantuvo activo compartiendo escenarios con Eric Clapton y Bob Dylan. En 2003 firmo con Sanctuary Records y publicó 'Time will Tell'. Siguieron dos álbumes de estudio, 'Twenty' (2005) y 'This Time' (2009). En los últimos cuatro años ha publicado tres discos en directo, el último 'Cookin in Mobile', que recoge su actuación en 2011 en el Saenger Theatre de Mobile (Alabama). También en 2011 fue admitido en el Blues Hall of Fame. En agosto de 2012 se publicó su trabajo más reciente, 'Nothin But Love'.
Hoy cumple 35 años el músico Dhani Harrison, el único hijo que tuvo el beatle George Harrison en su segundo matrimonio con Olivia Trinidad Arias. Tras graduarse en la Brown University de Estados Unidos en noviembre de 2002 y estudiar diseño gráfico, Dhani decidió seguir la carrera musical como su padre.
Después de la muerte de George el 29 de noviembre de 2001, Dhani, en colaboración con Jeff Lynne, finalizó 'Brainwashed', el último trabajo de estudio de George, publicado en 2002. El 29 de noviembre de 2002, justo un año después, participó en un concierto homenaje celebrado en el Royal Albert Hallde Londres junto a artistas de la talla de Billy Preston, Ravi Shankar, Jeff Lynne, Tom Petty, Ringo Starr, Jim Keltner, Paul McCartney, Eric Clapton, Sam Brown y miembros de los Monty Python.
En abril de 2006 anunció el álbum debut de su nueva banda, thenewno2, formada con Oliver Hecks a la batería y sintetizadores, Dhani a la voz solista y guitarras y Nick Fyfe al bajo. Ese mismo año publicaron 'EP001', un EP de cuatro canciones. En 2008 se puso a la venta en descarga digital su álbum debut, 'You Are Here' y se editó el video para 'Choose what you're watching'.
En Febrero del 2010 participó en un supergrupo llamado Fistful of Mercy en el que compartió créditos con Ben Harper, Joseph Arthur y Jesse Green, cuyo álbum debut fue 'As I Call You Down'. Un año más tarde publicó, de nuevo con thenewno2 el ep 'EP002'. En junio de 2012 se casó con Solveig 'Sola' Karadottir, con la que llevaba varios años de relación y un mes después apareció el álbum 'Thefearofmissingout', del que se extrajo el tema 'Make it Home' puesto a disposición de los fans en la página Facebook del grupo. El trabajo más reciente de la banda fue la banda sonora de la película 'Beautiful Creatures', dirigida por Richard LaGravenese.
Hoy cumple 71 años el violagambista, director de orquesta y musicólogo español, especializado en música antigua, Jordi Savall i Bernadet. Jordi Savall inició con 6 años su formación musical en el seno del coro de niños de Igualada (Barcelona) su ciudad natal, completándola con los estudios de violoncello que finalizó en el Conservatorio de Barcelona (1964).
En 1965 inicia en autodidacta el estudio de la viola de gamba y la música antigua (Ars Musicae) perfeccionando desde 1968 su formación en la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) en la que, en 1973, sucede a su maestro August Wenzinger y con la cual continua colaborando con cursos y clases magistrales. En 1970 empezó una exitosa carrera como intérprete de viola de gamba, de la que es considerado por la crítica uno de los más grandes intérpretes. Entre 1974 y 1989 fundó tres conjuntos, Hespèrion XX (1974, ahora Hespèrion XXI), La Capella Reial de Catalunya (1987) y Le Concert des Nations (1989), con repertorios que van desde la Edad Media al siglo XIX, pero que siempre son interpretados con el máximo rigor histórico. Ha dirigido orquestas de prestigio como la Orquesta Sinfónica de la Fundación Calouste Gulbenkian, la Orquesta Camerata de Salzburgo, la Wiener Kammerorchester y la Philarmonica Baroque Orchestra de San Francisco.
Jordi Savall representa un caso excepcional en el panorama de la música actual. Hace más de treinta años que da a conocer al mundo maravillas musicales abandonadas en la oscuridad de la indiferencia: treinta años que las investiga, las lee y las interpreta, con su viola de gamba o como director. Todo un repertorio esencial devuelto a todos los que tienen los oídos abiertos. Un instrumento la Viola de gamba, de un refinamiento más allá del cual solamente hay el silencio, sacado de su “happy few” (círculo íntimo) que la reverenciaba con los cuales exploran y crean un universo de emociones y belleza, proyectados al mundo y a millones de amantes de la música, y que les han acreditado como principales defensores de tantas músicas olvidadas.
Jordi y Montserrat Figueras
Vive por y para la música, al igual que lo hacía su mujer, la soprano Montserrat Figueras fallecida en noviembre de 2011, y sus dos hijos: Ariana, cantautora y arpista, y Ferran, cantautor e intérprete de guitarra y tiorba. Jordi Savall es una de las personalidades musicales más polivalentes de su generación, sus actividades como concertista, pedagogo, investigador y creador nuevos proyectos, tanto musicales como culturales, le sitúan entre los principales artífices de la actual revalorización de la música histórica.
Con su fundamental participación en la película de Alain Corneau “Tous les Matins du Monde” recibió el “César” a la mejor banda sonora y resultó nominado al mismo premio en 1998 por la partitura de "Marquise". Su intensa actividad concertística (140 conciertos al año), discográfica (6 grabaciones anuales) y recientemente con la creación de Alia Vox –su propio sello editorial– está demostrando que la música antigua no tiene que ser necesariamente elitista y que puede interesar, en todo el mundo, a un público cada vez más joven y más numeroso. Ha grabado más de 160 CDs.
Jordi Savall con Montserrat y su grupo Hespèrion XX
Entre las distinciones recibidas destacan:“Officier de l’Ordre des Arts et Lettres” (1988), la “Creu de Sant Jordi” (1990).“Músico del año” por Le Monde de la Musique (1992) y “Solista del Año” de las “Victoires de la Musique” (1993), “Medalla de Oro de las Bellas Artes” (1998), “Miembro de Honor de la Konzerthaus” de Viena (1999). Doctor Honoris Causa por la Université Catholique de Louvain (2000),“Victoire de la Musique” a su trayectoria profesional (2002) y en 2003 la “Medalla d’Or” del Parlament de Catalunya y el Premio de Honor de la "Deutsche Schallplattenkritik".
Premio nacional "Classic Voice" por el disco clásico musica de Marais y de otros autores del barroco francés por viola da gamba . En enero de 2004 sacó a la luz “Ninna nanna”, una serie de canciones de cuna interpretadas por su mujer Montserrat Figueras y su grupo vocal Hespèrion XX, trabajo que fue alabado por la crítica de The New York Times. En la gala de la 53ª edición de los Premios Grammy, celebrada el pasado 13 de febrero en los Ángeles, se le hizo entrega a Jordi Savall del premio a la mejor composición de pequeño formato por su trabajo “Dinastia Borgia. Iglesia y Poder en el Renacimiento”.
Según Savall, las posibilidades de la Viola de gamba como instrumento solista son, durante el Renacimiento, más bien tímidamente utilizadas, a medida que nos adentramos al siglo XVII vemos surgir en Inglaterra, Francia y Alemania, una nueva literatura en la cual ellas son progresivamente desarrolladas; la Viola de gamba, además de utilizarse "a solo" sin acompañamiento, es asociada a toda clase de instrumentos, en una extensa gama de combinaciones: Viola de gamba solista acompañada por el "bajo continuo"; o concertando con otros instrumentos como el Violín, la Flauta dulce y la travesera, el Oboe, la Viola de amor, el Clavicémbalo, el Laúd, etc., y también concertando con un solista vocal.
Carl Friedrich Abel
Interminable sería la lista si quisiéramos enumerar a todos los compositores que durante los siglos XVII y XVIII escribieron obras en las cuales es utilizada como solista la Viola de gamba; es posible, no obstante, señalar algunos de los más importantes como T. Hume, Ch. Simpson, W. Lawes, J. Jenkins, M. Locke, T. Mace, Playford y C. F. Abel en Inglaterra; Saintre-Colombe, De Kachy, M. Marais, F. Couperin, Caix d'Hervelois y A.. y J. B. Forqueray en Francia; y J. Schenk, A. Kühnel, D. Buxtehude, G. Ph. Telemann, J. S. Bach, G. F. Haendel y Ph. E. Bach en Alemania.
Marin Marais
Dentro de la gran variedad de procedimientos que se utilizan, durante los siglos XVII y XVIII, en la ejecución "a solo" con la Viola de gamba se pueden apreciar dos formas de ejecución bien diferenciadas: la ejecución "melódica" y la ejecución "armónico-polifónica". La ejecución "melódica" -o "jeu de melodie"- se caracteriza en lo esencial por subordinar todos los efectos instrumentales al desarrollo expresivo de la voz o melodía principal. En este sentido, la voz humana, con todas sus posibilidades expresivas, era el modelo ideal e incesantemente evocado por los violistas de la escuela francesa.
Mujer tocando la viola (1663)
El "jeu de melodie" puede tener unas ciertas analogías con la ejecución armónica en los casos en que la voz principal es apoyada -por el mismo instrumento solista- con acordes o dobles cuerdas. Si la melodía conserva el interés principal, el carácter de la ejecución -a pesar del empleo de dobles cuerdas o acordes- no variará; en caso contrario, nos encontraremos ante una utilización alternada de las dos formas de ejecución. El extremo opuesto del "jeu de melodie" es la ejecución por medio de dobles cuerdas y acordes, en la cual las distintas voces guardan una cierta independencia entre sí o bien desempeñan una función predominantemente armónica. En el primer caso se podrá hablar de una ejecución de carácter polifónico y en el segundo, de "jeu d'harmonie".
Antoine Forqueray
Esta forma de ejecución presenta grandes dificultades, especialmente para la mano izquierda. La observancia de las "tenües" es esencial, así como una gran flexibilidad y precisión en las diferentes posiciones y cambios de los dedos de dicha mano. Como conclusión, podríamos decir que la síntesis de esta perfección en la delicadeza del Canto, acompañado por las armonías que lo sostienen, será adquirida definitivamente por los grandes maestros de la nueva generación como Marin Marais, Caix d'Hervelois o, más tarde, Antoine Forqueray o su hijo Jean-Baptiste Antoine, sin olvidar a Johann Sebastian Bach (aria Kommt susse Kreuz de la Pasión según San Mateo) o Georg Philipp Telemann. Por otra parte, el encanto tan exclusivo de la viola en tanto que instrumento melódico será inmortalizado de la forma más pura por las obras de Marin Marais, François Couperin (Pieces de Viole) y Johann Sebastian Bach (aria Es ist collbracht de la Pasión según San Juan) y Sonatas para Clavicémbalo y Viola de gamba.
Todas las Violas de gamba poseen trastes, generalmente siete u ocho, hechos con cuerdas dobles del tamaño de la cuerda más delgada del instrumento. En el siglo XVI el lugar de su colocación se determinaba dividiendo la distancia de la cuerda abierta o libre (desde la cejilla hasta el puente) en 1/3 para el séptimo traste; 1/4 para el quinto traste; 1/9 para el segundo. Los restantes (1º, 3º, 4º y 6º) se colocaban entre los señalados proporcionalmente y de forma ligeramente variable; probablemente gracias a la elasticidad de la tripa se podía o se intentaba diferenciar los tonos mayores y menores propios de cada modo.
Desde los inicios del Renacimiento se construyen y utilizan Violas de gamba de diversos tamaños, siguiendo el modelo de las tesituras de la voz humana. Los más usuales son el bajo, el tenor y el soprano; sus medidas son variables. El templado de la encordadura tiene siempre la misma proporción: cuarta, cuarta, tercera mayor, cuarta y cuarta. El tenor se afina a la cuarta o quinta alta del bajo (el contralto al unísono con el tenor) y el soprano a la octava alta del bajo (excepcionalmente a la séptima).
La afinación con la Viola de gamba no se hacía sobre la base de la afinación temperada, sino que acordando cada vez el instrumento sobre la tonalidad principal de la obra que se había de tañer y diferenciando en lo posible los tonos o semitonos mayores de los menores, se intentaba conseguir una afinación lo más aproximada a la natural y basada al parecer en la función de las notas dentro de cada tonalidad. Tanto en el Renacimiento como en el Barroco, las cuerdas empleadas para la Viola de gamba son siempre de tripa; para las dos o tres cuerdas más graves se utiliza, desde la segunda mitad del siglo XVII, la tripa entorchada con un hilo de plata. Si bien que normalmente es necesario que sean menos gruesas, en proporción, que las del Violoncelo, han de corresponder a la calidad sonora del instrumento. Ya en el año 1687 una opinión autorizada nos hace notar que no todas las Violas de gamba se han de encordar con cuerdas delgadas, pues si ellas serán buenas para un instrumento que tenga una gran sonoridad, no lo serán para otro en el cual el sonido sea difícil de producirse.
La peculiar manera de emplear el arco constituye uno de los aspectos fundamentales de la técnica violística. El arco se sujeta con los dedos de la mano derecha; el dedo índice se sitúa a unos dos dedos del alza y se extiende, en dirección a la punta del arco, a lo largo del lado exterior de la madera; el pulgar la termina de sujetar por encima; los dedos medio y anular se apoya en las cuerdas del arco; la mano queda situada con la palma hacia arriba.
Arco barroco de viola de gamba tenor
El arco renacentista tiene la curva hacia fuera (al revés del arco moderno) lo cual permite tocar cómodamente tres o más cuerdas a la vez, si las cerdas están los suficientemente flojas. La función de los dedos medio y anular consiste en graduar la tensión de las mismas, aumentándola cuando hay que tocar dos o una cuerda sola y disminuyéndola cuando sea necesario tocar más cuerdas a la vez. Si bien el arco se ha de sujetar normalmente con cuatro dedos, en los momentos que sea necesario articular figuraciones rápidas será preferible sostenerlo solamente con tres dedos (pulgar, índice y medio). Durante el Barroco, el arco tiene también la curva hacia fuera, aunque algo menos pronunciada que la del arco renacentista.
1) Música para películas:
1991 - Todas las mañanas del mundo, de Alain Corneau:
“Todas las mañanas del mundo” (en francés, Tous les matins du monde) es una película francesa de Alain Corneau estrenada en 1991. En ella intervienen Gérard Depardieu, Jean-Pierre Marielle y Anne Brochet. Cuenta la historia de la relación entre un anciano Monsieur de Sainte-Colombe, sumido en una profunda melancolía por la muerte de su mujer, y el todavía joven Marin Marais, decidido a ser su discípulo para perfeccionar el uso de la viola, y que a su vez mantiene una relación con su hija.
La banda original del film es de Jordi Savall, e incluye una selección de piezas de Marin Marais, Sainte Colombe, François Couperin y Jean-Baptiste Lully. Destacan la “Marche pour la cérémonie des turcs” (Lully), la “Improvisation sur les folies d'Espagne” (Marais) , el “Prélude pour Mr. Vauquelin” (Savall), “Gavotte du tendre” (Sainte Colombe), “une Jeune gillette” (melodía popular), “les Pleurs” (Sainte Colombe), el Concert à deux violes "le Retour" (Sainte Colombe),“la Rêveuse” (Marais), la “Trosième leçon de ténèbres” à 2 voix (Couperin), “ l'Arabesque” (Marais), “la Fantasie en mi mineur” (anónimo), “les Pleurs 2”(Versión a dos violas - Sainte Colombe), “le Badinage” (Marais), "Tombeau pour Mr de Sainte Colombe"(Marais), “Muzettes I – II” (Marais) y la “Sonnerie de Ste Geneviève du Mont de Paris (Marais)”. Los músicos que acompañan a Savall son: Fabio Biondi, Christophe Coin, Montserrat Figueras, Maria Cristina Kiehr, Rolf Lislevand, Pierre Hantaï, Jérôme Hantaï. Consiguió el César a la mejor música escrita para un film, el Gran Prix Nouvelle Académie Du Disque, Disque D'or (Rtl - Snep), Croisette d'or Grand Prix de la Ville de Cannes.
Jordi Savall ha grabado más de 120 discos desde 1968, tanto como solista o acompañado de otros solistas, como parte integrante de otros grupos (Ars Musicae de Barcelona, Ricercare-Ensemble für Alte Musik, Zurich, etc.) o dirigiendo a los grupos fundados por él (Hespèrion XX / Hespèrion XXI, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations).
Hesperion XXI
2) Discografía seleccionada de Hespèrion XX y Hespèrion XXI:
“Pavana&Gallarda”, Inozzenzo Alberti (1535-1615) Hespèrion XXI Jordi Savall.
“Passacalio”, Biagio Marini (1584-1663), Hespèrion XXI by Jordi Savall.
1976 – “Emilio de' Cavalieri: Rappresentazione di Anima e di Corpo”. Con Soloists, Mietglieder des Collegium vocale, Köln, etc.“Stationen Europäischer Musik y Emilio de' Cavalieri: Rappresentazione di Anima e di Corpo / Giacomo Carissimi: Historia Divitis
1977 – “Musik im Rittersaal Schloss Thun”. Con Slokar Posaunenquartett.
1980 – “Virtuose Verzierungs-Kunst um 1600”. Virtuoso ornamentation around 1600. Con la Schola Cantorum Basiliensis.
Álbumes como solista o acompañado de otros músicos:
1970 - Recercadas del "Tratado de Glosas" . Junto a Genoveva Gálvez y Sergi Casademunt.
1971 – “Music for guitar and harpsichord”. Junto a John Williams y Rafael Puyana. Columbia
1975 – “J.S. Bach: Flute sonatas”. Con Stephen Preston, Trevor Pinnock.
1975 – “Canti amorosi”. Con Nigel Rogers, Colin Tilney, Anthony Bailes y Pere Ros.
1977 - C.P.E. Bach: “Flöten-Sonaten”. Con Hans-Martin Linde y Colin Tilney.
1977- “A Musicall Banquet” (1610). Con Nigel Rogers y Anthony Bailes.
1978 - "The Punckes Delight" and other seventeenth century english music for viol and keyboard. Con Trevor Pinnock.
Arianna, Jordi, Montserrat, Ferrán y Pedro Estevan
1978 - Michel De La Barre: “Pièces pour la flute traversière avec la basse continue”, 1710. Con Stephen Preston, Blandine Verlet y Hopkinson Smith. 1978 - Antoine Forqueray "Le Père": Pièces de viole avec la basse continuë. Con Ton Koopman y Christophe Coin.
1978 - J.S. Bach: “The Sonatas for Viola da gamba and Harpsichord”, BWV 1027-29. Con Ton Koopman.
1990 - Diego Ortiz: “Recercadas del Trattado de Glosas” 1553. Con Ton Koopman, Lorenz Duftschmid, Rolf Lislevand, Paolo Pandolfo y Andrew Lawrence-King.
1992 - Marin Marais: “Pièces de viole du troisième Livre” (1711). Con Ton Koopman y Hopkinson Smith. "Allemande la Superbe" di Marin Marais (1656 - 1728)
1993 - Tarquinio Merula: “Arie e Capricci”. Con Montserrat Figueras, Jean-Pierre Canihac, Ton Koopman, Andrew Lawrence-King, Rolf Lislevand y Lorenz Duftschmid.
2005 – “Du temps et de l'instant” .Con Montserrat Figueras, Arianna Savall, Ferran Savall y Pedro Estevan.
2006 – “Lux Feminae” (900-1600). Con Montserrat Figueras, Tina Aagaard, Arianna Savall, Laurence Bonnal, Begoña Olavide, Andrew Lawrence-King, Frederike Heumann, Fahmi Alqhai, Pierre Hamon, Driss El Maloumi, Rolf Lislevand, Pedro Estevan, Marc Clos y Carlo Rizzo.
Hoy cumple 82 años el guitarrista de jazz Kenny Burrell, nacido en Detroit (Michigan). Perteneciente a una familia musical, comenzó a tocar la guitarra con doce años recogiendo influencias de Charlie Christian, Django Reinhardt y Wes Montgomery.
Nació en una familia de talentosos instrumentistas. Su padre tocaba el banjo, la mandolina y el ukulele; sus hermanos mayores eran ambos guitarristas. Su madre, que era cantante y pianista, insistió para que Kenny recibiera lecciones de piano, pero el joven Burrell no pareció muy entusiasmado con ello. Poco después su atención se centró en el saxofón, un instrumento que su familia no se podía permitir, por lo que a los doce años se decidió por la guitarra, teniendo a su hermano como guía. Pero fue cuando escuchó un disco de Charlie Christian, cuando verdaderamente creció su pasión por el instrumento. En su escuela, la Miller High School de Detroit, su profesor de música, Louis Cabara, le enseñó teoría y composición así como los aspectos filosóficos de la música.
Kenny, aún adolescente y entusiasmado con los sonidos del jazz, los buscaba aventurándose en los numerosos nightclubs de la ciudad. Una noche, él y el pianista Tommy Flanagan se pintaron mostachos para poder acceder a un local donde tocaba Charlie Parker, una experiencia inolvidable para Kenny. En 1948 Burrell ya era un respetado miembro de la comunidad jazzística de Detroit y su talento con la guitarra impresionaba a músicos de renombre nacional como Dizzy Gillespie e Illinois Jaquet. Con el sexteto de Dizzy realizó Kenny su primera grabación seria, 'Birk's Works' (1951).
Gillespie insistía para que se uniese a su banda, pero sus padres no lo permitieron hasta que finalizara sus estudios musicales en la Wayne State University, en la que ingresó en 1952. Durante su estancia en la universidad, Kenny fundó la New World Music Society, un colectivo privado de músicos que incluía a los artistas locales Elvin Jones, Yusef Lateef, Donald Byrd y Pepper Adams. Tuvo como profesor de guitarra clásica a Joe Fava y concluyó sus estudios en 1955 con diploma. Ese mismo año ingresa en la banda de Oscar Peterson para sustituir a Herb Ellis. Unos meses después se traslada a Nueva York, donde trabaja con Hampton Hawes.
El jefe de Blue Note, Alfred Lion, decide hacer de Burrell un artista discográfico y en 1956 aparecen 'Introducing Kenny Burrell', 'Swingin' y 'K.B. Blues', aparecido en la filial japonesa de Blue Note. Entre 1957 y 1959 entra a formar parte de la banda de Benny Goodman ocupando el lugar que había pertenecido a uno de sus ídolos, Charlie Christian. En los años siguientes trabajó junto aKenny Dorham, Gene Ammons, Jimmy Smith, Hank Mobley, Stan GetzoColeman Hawkins, que sabían apreciar el swing basado en el blues que ejecutaba Burrell. En marzo de 1958 se produjo un encuentro histórico entre Kenny y John Coltrane que se plasmó en 'Kenny Burrell & John Coltrane'.
En los años sesenta realizó numerosas giras y apariciones en TV, además de innumerables grabaciones como guitarrista de sesión. En los setenta fundó en Nueva York el Club The Guitar, donde realizó talleres e impartió cursillos.
Burrell es el director de estudios jazzísticos en la UCLA (Universidad de California de Los Angeles) e imparte un curso llamado 'Ellingtonia', en el que se examinan la vida y talentos de Duke Ellington. En la actualidad, aparece de cuando en cuando con alguna formación de All Stars, como fue el caso en 2011 con motivo de su ochenta aniversario, en el que se reunieron con Kenny en el escenario del Royce Hall de la UCLA, Dee Dee Bridgewater, Stevie Wonder y B.B. King.
Hoy cumple 70 años el cantautor norteamericano Roland Kent Lavoie, más conocido por su nombre artístico, Lobo. Nacido en Tallahassie (Florida), a principios de los 70 consiguió varios top10 en las listas Billboard con una serie de baladas que asimismo tuvieron bastante éxito en el Reino Unido y varios países europeos.
En el año 2000 firmó con una compañía alemana, donde se hizo muy popular gracias a una serie de TV de gran audiencia que incluía el tema 'I'd love you to want me'. Allí grabó varios CDs con temas como 'Let it be me', 'Who'll stop the rain' y 'Different drum'. Su último trabajo hasta la fecha fue 'Out of Time', con nuevas versiones de sus éxitos más alguna composición nueva.
Hoy cumple 53 años el pianista y guitarrista de jazz Stanley Jordan, nacido en Chicago. Jordan saltó a la fama a principios de los años 80 por una técnica novedosa de tocar la guitarra que consiste en presionar las cuerdas con las dos manos, en lugar de la tradicional de rasgar con los dedos de una mano y presionar las cuerdas contra el mástil con los dedos de la otra.
Nacido en Chicago, pero criado en California, con seis años comenzó sus clases de piano clásico. Unos años después pasó un tiempo estudiando trompeta, lo que terminó llevándole a la guitarra, en una época en la que los guitarristas comenzaban a ocupar portadas en las revistas musicales. Fue así, leyendo un artículo en una consulta de médico, como conoció a una de sus mayores influencias: Jimi Hendrix. "Él me inspiró a pensar que el límite era el cielo, a buscar más allá de lo conocido, lo que terminó conduciéndome al jazz"
Stanley comenzó a tocar en varias bandas de soul y de rock y con quince años, frustrado por no poder usar la versatilidad del piano con la guitarra, experimentó con afinaciones alternativas, descubriendo una conocida como 'afinación por cuartas' (Mi, La, Re, Sol, Do, Fa). Unos meses después empezó a considerar aplicar la técnica de 'tapping', para lo que sus conocimientos de piano le ayudaron a desarrollar su propia teoría y técnica, lo que él llama el 'sistema cromático' (básicamente, el sistema usa la escala cromática para medir los intervalos en vez de la mayor, y comienza en cero, en lugar de uno)
En 1977 ingresó en la Universidad de Princetown donde uno de sus maestros Milton Babbitt, había llegado a unas conclusiones similares a finales de los años cincuenta. Ambos trabajaron juntos y Babbitt se convirtió en el mentor y consejero de Jordan. Además de teoría musical, Stanley estudió informática y su papel en la composición musical, un campo en el que siguió trabajando tras graduarse. Con su licenciatura de música bajo el brazo, Jordan marchó a la conquista de Nueva York donde tocaba en pequeños clubes o incluso en la calle. En 1983 logró autoproducirse un álbum, 'Touch sensitive', que despertó escasa atención.
Esto cambió tras la aparición de Jordan en el Kool Festival de Nueva York y el álbum que grabó a continuación con el renovado sello Blue Note, 'Magic Touch' (1985), en el que desplegaba su personal técnica de 'tapping'. Producido por Al DiMeola, vendió cerca de medio millón de copias, una gran cifra considerando que se trataba se un álbum instrumental de jazz.
Desde entonces ha publicado una decena de álbumes entre los que destacan, 'Standards Vol 1' (1986), 'Cornucopia' (1990), 'Bolero' (1994), 'State of Nature' (2008) y 'Friends' (2011), su más reciente entrega. Jordan reside actualmente en Sedona, Arizona donde tiene su empresa Sedona Books and Music. También es alumno de la Universidad Estatal de Arizona donde cursa estudios de terapia musical.
En 1978, Cry hizo amistad con John Belushi y eso llevó a su aparición fugaz como bajista de la banda Otis Day and the Knights, que actúa en la fiesta de la película 'National Lampoon's Animal House' (Desmadre a la Americana). Ese mismo año, el grupo de Cray atrajo la atención del sello Tomato Records tras su actuación en el San Francisco Blues Festival. Desafortunadamente, la discográfica se encontraba atravesando una crisis económica, por lo que la aparición del álbum, 'Who's Been Talkin' se demoró hasta 1980, poco antes de que quebrara definitivamente el sello.
