Hoy cumple 80 años el músico de blues británico John Mayall, nacido en Macclesfield (Inglaterra). Pionero del blues en las Islas, John Mayall y su grupo The Bluesbreakers fueron los catalizadores de la revolución musical que atrapó a Inglaterra en los años sesenta y que dio origen al blues-rock. Innumerables músicos respetan a Mayall por su innegable talento y por su integridad musical. Sin embargo, es más conocido por la calidad de los músicos que apadrinó en sus respectivos grupos, los cuales llegaron a obtener mucho más éxito en el mercado pop que su mentor, a quien su dedicación al blues puro resultó más importante que la obtención de un éxito en las listas de ventas.
John en 1940
El padre de John fue músico también y tocó en numerosas bandas de aficionados. Poseía una amplia colección de discos de jazz, los cuales fueron la primera fuente de inspiración de Mayall. Aunque en aquel momento no consideró seguir la carrera musical, en sus años adolescentes aprendió a tocar piano, guitarra y ukulele. Sus inclinaciones artísticas lo llevaron con trece años a la Manchester Junior Art School, más o menos al mismo tiempo que descubrió y se fascinó con el blues americano. Pasó dos años allí, durante los cuales, John aprendió a tocar la armónica.
Con quince años trabajaba como escaparatista en unos almacenes de Manchester. A continuación fue llamado a filas y pasó dos años en el ejército, parte de ellos en Corea. Tras su regreso a Inglaterra en 1955, continuó su educación en el Regional College of Art de Manchester, donde formó su primera banda, los Powerhouse Four. Se graduó en 1959 y se empleó en una agencia de publicidad, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los mejores tipógrafos y diseñadores gráficos de la región.
Mayall en 1955
En 1958 el legendario Muddy Waters había realizado un tour por Inglaterra y vino acompañado de una banda eléctrica formada por los mejores bluesmen de Chicago. Esta visita de Waters al Reino Unido está considerada la chispa que encendió la luz que guió a todos los dispersos aficionados al blues británicos, dotándoles de una dirección en común. Alexis Korner y Cyril Davies contribuyeron con su sexteto a que la escena londinense de los clubes de jazz pasara de contratar grupos de jazz tradicional en los cincuenta a demandar grupos de blues eléctrico en 1960. Fueron ellos quienes convencieron a Mayall, que para entonces había formado un grupo amateur llamado Blues Syndicate, de que dejara Manchester y se trasladara a Londres, donde le sería posible vivir profesionalmente de su música.
McVie, Mayall, Dean y Flint (1964)
En 1963, con 29 años, demasiado viejo para los estándares del rock n'roll, se instaló en Londres y formó su grupo soñado: los Bluesbreakers. Mayall pasó un año trabajando durante el día como delineante, pero en 1964 ya se vió capacitado para dedicarse de lleno a la música. Con su banda fueron teloneros de grandes bluesmen norteamericanos como John Lee Hooker y Sonny Boy Williamson en sus respectivas visitas a Inglaterra y realizaban actuaciones en pequeños clubes del país seis días a la semana.
Clapton, McVie, Mayall y Flint (1965)
La primera formación consistía en Mayall y Bernie Watson a las guitarras, John McVie al bajo y Martin Hart a la batería. Más tarde Hughie Flint reemplazó a Hart y Roger Dean se encargó de la segunda guitarra. No pasó mucho tiempo para que John Mayall y los Bluesbreakers fueran considerados la mejor banda de blues británica. La aparición de los Rolling Stones pareció eclipsar por un momento a los Bluesbreakers, pero esto cambió cuando Eric Clapton se unió a la banda en abril de 1965.
Eric ya traía una buena reputación de los Yardbirds pero había decidido abandonarles cuando vio que su sonido tendía más hacia el pop. El purismo y el compromiso de Mayall con el blues casó perfectamente con la filosofía de Clapton y el talento del guitarrista hizo resurgir la fama del grupo. Fue por entonces cuando se podía leer el famoso graffiti: "Clapton is God" en las calles de Londres. Con 'Dios' en sus filas, los Bluesbreakers eran imbatibles.
Pero el inquieto Clapton dejó el grupo repentinamente en agosto de 1965 para volver en noviembre y en julio de 1966 lo dejó definitivamente para formar el trío Cream con Ginger Baker y el ex-Bluesbreaker Jack Bruce. A Mayall no le afectó demasiado, ya que comprendió desde el principio que no todos los músicos iban a someterse a sus estrictas formas clásicas y les animaba frecuentemente a dejar el grupo y explorar nuevos caminos y formas musicales.
También disolvió bandas y buscó nuevos instrumentistas, simplemente porque había desarrollado otras ideas y necesitaba músicos distintos para plasmarlas musicalmente. Otros fueron expulsados por romper otra de las reglas sagradas del músico: beber durante el trabajo. Cada vez que la banda se veía privada de un buen músico, Mayall era capaz de sustituirle con alguien similar y, en ocasiones, mejor. Ejemplos de grandes instrumentistas que han pasado por las bandas de Mayall son, entre otros, John McVie, Mick Fleetwood y Peter Green (futuros Fleetwood Mac), Aynsley Dunbar (futuro Jeff Beck Group, Mothers of Invention y Journey), Jon Hiseman y Tony Reeves (futuros Colosseum II) y Mick Taylor (futuro sustituto de Brian Jones en los Rolling Stones)
En 1967, tras la publicación de 'A Hard Road', Mayall y sus Bluesbreakers realizaron su primera gira por Estados Unidos, donde fue tan bien recibido que el músico decidió instalarse en Laurel Canyon (California). Siguió siendo un purista del blues, lo que no le impidió explorar todas las posibilidades del género. En una época en la que todos electrificaban y amplificaban su música, Mayall grabó en 1969 'The Turning Point', un álbum acústico cuya particularidad era la ausencia de batería y que generó su tema más conocido 'Room to move'. El álbum fue su obra más vendida y alcanzó la categoría de disco de oro. Le siguieron 'Empty Rooms' (1970) y 'Back to the Roots' (1971).
Durante los años setenta su carrera pareció declinar y aunque seguía realizando una media de 120 shows al año y grabando excelentes álbumes como 'Jazz Blues Fusion' (1972) y 'Moving On' (1973), tras repetidos e infructuosos cambios de sello, los trabajos que publicó no estaban a la altura de sus álbumes anteriores, alejándose del blues-rock para experimentar con el jazz, el funk o el pop incorporando incluso voces femeninas.
7El músico abstemio que una vez echó a músicos de su banda por beber un trago antes de tocar, desarrolló su propio problema con la botella. En una entrevista con Downbeat admitió: "En los setenta toqué la mayoría de las noches borracho". Un incidente casero en el que su casa fue pasto de las llamas en 1979 y un accidente que sufrió al tirarse de un balcón a una piscina...y fallar, le hicieron ver la luz y dejar la bebida definitivamente.
En 1982 recreó una de las primeras encarnaciones de los Bluesbreakers junto a John McVie y Mick Taylor, realizando una serie de conciertos que fueron muy bien recibidos. Aunque la reunión no duró mucho, sirvió para que Mayall decidiera volver a su sonido primigenio. En 1984 puso en marcha una nueva edición de los Bluesbreakers con el guitarrista Coco Montoya y el baterista Joe Yuele. Con esta formación hizo un tour por los países del Este de Europa y publicó algunos álbumes en pequeños sellos como 'Behind the Iron Curtain', 'The Power of the Blues' y 'Chicago Line'.
En 1990 firmó con Island Records y publicó 'A Sense of Place', en el que demostraba seguir siendo capaz de explorar nuevas direcciones musicales con sensiblidad e imaginación.
Si bien sus más recientes discos adolecen de un cierto debilitamiento artístico, John Mayall aún mantiene unos estándares mínimos, que le aseguran la continuidad en el gusto de los amantes del blues. Por eso, sus discos aun son esperados, y sus conciertos concurridos. Con ocasión de su 70 cumpleaños se celebró un concierto homenaje en Liverpool en verano de 2003, en el que participaron como estrellas invitadas Eric Clapton, Mick Taylor y Chris Barber.
Aunque nunca obtuvo un hit, ni ganó un Grammy, ni está en el Salón de la Fama del Rock and Roll, John Mayall sigue siendo un 'músico de músicos' enormemente respetado por sus 'discípulos'. Aún en activo, su trabajo de estudio más reciente 'Tough' se publicó en septiembre de 2009 y en su página web personal ofrece directamente antiguas grabaciones de conciertos.
Hoy cumple 70 años el pianista, cantautor, arreglista y compositor de bandas sonoras Randy Newman, nacido en Los Angeles (California). Es conocido por sus mordaces canciones y por sus bandas sonoras para películas, sobre todo, las que compuso para la productora de cine animado Disney-Pixar. Criado entre músicos, sus tíos Alfred, Lionel y Emil Newman ya escribían música para el cine, obteniendo el primero de ellos nueve premios Oscar de 45 nominaciones.
Siendo todavía un bebé, su familia se trasladó a Nueva Orleans. Aquejado de una fuerte miopía desde que nació, además de estar obligado a llevar gafas, sufrió -ya con cinco años- cuatro operaciones para corregir su visión. Por su defecto en la vista y por su origen judío fue motivos de burlas en el colegio y es una etapa de su vida que no recuerda con agrado. "La escuela fue horrible. No fue ni mucho menos la mejor época de mi vida, como muchos me aseguraban. Era muy exigente conmigo mismo y sufría un gran complejo de inferioridad".
En 1948 su padre, que había servido en la Segunda Guerra Mundial, regresó a Nueva Orleans y de nuevo se instalaron en Los Angeles, donde Newman pasaría el resto de su adolescencia, aunque volvería muchos veranos a Nueva Orleans de visita. Estudió composición en la UCLA y con diciesiete años ya componía canciones. Su primer tema en el mercado fue la canción 'They tell me it's summer' (1962), que apareció como cara B de un single de los Fleetwoods. Esto le abrió el camino para seguir componiendo para artistas como Gene Pitney, Cilla Black, Jerry Butler o los O'Jays. A mediados de los sesenta Randy formó parte de un grupo llamado The Tikis, que más tarde se convertirían en Harpers Bizarre, los cuales lograrían un hit en 1967 con su versión del tema de Paul Simon'The 59th street bridge song (Feelin' Groovy)'.
Cuando Dusty Springfield, Judy Collins y Peggy Lee comenzaron a grabar las composiciones de Newman, su prestigio como autor creció. Three Dog Night llevó 'Mama told me not to come' al nº1 en 1970 y Harry Nilsson publicó 'Nilsson sings Newman', un álbum completo con obras de Randy. Sus canciones, las cuales, aunque con ligeras influencias de Dylan, debían más al pop y al R&B de Nueva Orleans que al folk, portaban unas letras llenas del mordaz e incisivo sentido del humor que han caracterizado la mayoría de sus éxitos, como 'Sail away', 'Political science', 'You can leave your hat on' (1972), que Joe Cocker llevó al nº 1 en 1986, 'Rednecks' (1974), 'Short people'(1977) y 'I love L.A.' (1983).
Pero no todos sonreían con su corrosivo humor. Como manifestó una vez el mismo Newman: "Si me muriese mañana, en la lápida pondría: "compuso 'Short people' y algunas más..." Así es como son las cosas. A la gira que realizé tras su publicación no vino nadie, y llegué a recibir amenazas de muerte."
En los ochenta comenzó a componer casi exclusivamente para el cine y a él se deben, entre otras, las bandas sonoras de 'Ragtime' (1981), 'Despertares' (1990), 'Maverick' (1994) y 'Toy Story' 1 (1995). En 1988 publicó 'Land of Dreams', una serie de viñetas musicales de su infancia en Nueva Orleans, que contenía el tema 'It's money that matters', su único nº1 en las listas estadounidenses. Contaba con la colaboración de Mark Knopfler a la guitarra y a la producción.
El año 1995 su carrera tomó un nuevo rumbo cuando decidió escribir su primer musiclal, 'Faust', una adaptación del clásico drama épico de Goethe, cuya acción transcurre en South Bend (Indiana) y en el que Dios es un director ejecutivo de una compañía con un PowerBook y Lucifer un cínico, ambos en lucha por el alma del joven Heny Faust, un estudiante de tercer año de la Universidad de Notre Dame. La grabación se realizó con conocidos artistas como James Taylor en el papel de Dios, Don Henley como Henry Faust, Linda Rondstadt como Margarita, Elton John como el ángel Rick y Bonnie Raitt como Martha. Randy, naturalmente, se reservó el papel de Lucifer.
A este trabajo siguieron nuevas bandas sonoras para 'Bichos', 'Pleasantville' (1998), Toy Story 2 (1999). En 1999. Newman publicó 'Bad Love', su décimo álbum como artista y el primero con canciones originales tras sus once años de actividad componiendo para el cine.
Randy en 2011
Desde entonces ha seguido componiendo para la gran pantalla y, tras quince nominaciones al Oscar sin ganar, rompió la racha en 2002 con el premio a la mejor canción por 'If I didn't have you', perteneciente a la banda sonora de 'Monstruos S.A'. Desde entonces ha vuelto a ser nominado cuatro veces más, entre ellas, por 'Cars' (2006), 'La princesa y el sapo' (2009) y 'Toy Story 3' (2010), por cuyo tema, 'We belong together', Randy recibió su segundo Oscar. Su más reciente álbum de estudio, 'Harps and Angels', se publicó en 2008 y ese mismo año realizó una gira por el Reino Unido, cuyo concierto en Londres fue grabado y publicado en noviembre de 2011 como 'Live in London'. Su trabajo más reciente fue la banda sonora de 'Monsters University' (2013).
Hoy cumple 73 años el cantante norteamericano Bruce Channel, nacido en Jacksonville (Texas) y conocido por su único gran éxito, 'Hey baby' (1962).
Channel, que solía actuar en compañía del armonicista Delbert McClinton, ya había compuesto e interpretado 'Hey baby' desde 1959. Logró grabarlo a finales de 1961 y en marzo del año siguiente, el tema alcanzó el nº1, permaneciendo en él tres semanas. En el Reino Unido llegó al nº2 y vendió más de un millón de copias recibiendo un disco de oro.
Lennon, McClinton y Channel
Bruce hizo una gira por Europa, y en uno de los shows tuvo a los Beatles -que aún eran desconocidos para el gran público- como teloneros. Lennon, impresionado por la armónica de McClinton en 'Hey baby', se inspiró en ella para usarla en 'Love me do'.
El atractivo novedoso de la canción, una primera nota sostenida sobre la base rítmica de fondo, volvería a aparecer en temas como 'Sherry'(Four Seasons), 'Hang on Sloopy' (McCoys) y 'I should have known better' (Beatles), en la que también se percibe en la armónica la influencia de McClinton. Aunque muchos consideran a Bruce Channel un 'one hit wonder', tuvo algún éxito menor más, como 'Number one man' (1962) y 'Keep on' (1968). Como no le gustaba realizar giras, se estableció en Nashville como autor y siguió componiendo durante los años setenta y ochenta para artistas country como T.G. Shepherd y Janie Frickie.
81 años cumple hoy el saxofonista y compositor de jazz Gato Barbieri, nacido en Rosario (Argentina). Su nombre real es Leandro ya los doce años aprendió a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de 'Now's the Time' de Charlie Parker.
Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, decidiéndose por el saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. En 1962 se traslada a vivir a Roma con su mujer, italiana de nacimiento. Al año siguiente se muda a Paris, donde conoce a Don Cherry y muy pronto se incorpora a su banda. Son los años más salvajes de Barbieri, cosa que se puede constatar con la audición de su solo en el tema 'Hotel Overture' incluído en 'Escalator Over the Hill' (1971), grabación de la pianista californiana Carla Bley.
El Pampero (1971)
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo 'El Pampero' y sus obras para Impulse, 'Chapter One: Latin America'; 'Chapter Two: Hasta Siempre' (1973), 'Chapter Three: Viva Emiliano Zapata' (1974) y 'Chapter Four: Alive in New York' (1975), con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial lo que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci'El último tango en París' (1972). Esto lo convirtió en una auténtica estrella, permitiéndole actuar en festivales de jazz como Montreux, Newport o Bologna. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970 como 'Caliente!' (1976), que incluye un elenco de lujo con músicos de la talla de Randy Brecker, Eric Gale, Harry Lookofsky, Ralph McDonald, Lenny White o David Spinozza y una conocida versión del tema de Santana, 'Europa'.
Ruby Ruby (1978)
En este trabajo, Gato incorpora el ya tradicional sonido Barbieri. 'Caliente' sería el punto de inicio de un nuevo cambio en el estilo del artista, adquiriendo una sonoridad más acorde con los tiempos y explorando las mezclas entre la música latina y el jazz más comercial. Otros trabajos en esta línea fueron 'Ruby Ruby' (1978), de nuevo acompañado por grandes figuras como Herb Alpert, Alan Rubin, Lew Soloff, Lee Ritenaour, David Spinozza, Steve Jordan, Steve Gadd, Lenny White, Paulinho Da Costa y Ian Underwood, con temas como 'Nostalgia', 'Sunride' y 'Ngiculela-Es una historia- I am singing'de Stevie Wonder, y 'Euphoria', publicado en 1980. En los ochenta se centró en un sonido latinoamericano más intenso e influido por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas fueron constantes en su carrera.
Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos, como 'Que pasa' (1997), 'Che Corazón' (1999) y 'The Shadow of the Cat' (2002), en los que tiende más hacia un sonido de smooth jazz. Hoy, Gato Barbieri, es un músico con enorme influencia y numerosos seguidores en el mundo del jazz y una de las figuras mas representativas del género del cono sur de América.
Hoy cumple 48 años el cómico y cantante norteamericano Mark Jonathan Davis, conocido por su nombre artístico de Richard Cheese. Líder de Richard Cheese and Lounge Against the Machine, una banda de Los Ángeles especializada en versiones y actuaciones cómicas, interpreta canciones populares del rock y el pop en un estilo lounge/swing con reminiscencias de Frank Sinatra, Dean Martin, y Tony Bennett.
Richard Cheese and Lounge Against The Machine (un juego de palabras con Rage Against the Machine) están especializados en interpretar canciones actuales de rock, metal, rap y hip hop y versionarlas al estilo lounge, cantadas con un tipo de fraseo swing tradicional, contrastando el elegante arreglo de la música jazz con unas letras irreverentes y procaces para crear una disonancia humorística.
Desde el año 2000 la banda ha publicado 10 álbumes y tocado en concierto de gira por Estados Unidos, dos conciertos en Europa y varias apariciones televisivas. Su última entrega discográfica hasta la fecha fue 'Back In Black Tie' (2012) y tienen prevista la aparición de otro en 2013: 'Let It Brie: A Tribute to the Beatles'. Mientras tanto publicaron 'Cocktail with Santa', con temas navideños
Hoy cumple 54 años Charlie Burchill músico y compositor rock, nacido en Glasgow (Escocia), uno de los fundadores y guitarrista de la banda Simple Minds desde 1978. Junto con el cantante Jim Kerr es el único miembro original que sigue en la formación.
Además de la guitarra, Charlie toca el saxofón y el violín en los tres primeros álbumes del grupo y, tras la marcha de Mick MacNeil en 1989, se hizo cargo también de los teclados. Su estilo a la guitarra es muy similar al de sus contemporáneos The Edge en U2 y Will Seargent en Echo & the Bunnymen. Haciendo uso de efectos como el delay y el chorus, proveía texturas sonoras que envolvían los temas de Simple Minds, en los que predominaba la base rítmica de bajo/batería.
Burchill en 1979
Dos años después de la fundación del grupo (1977) el punk ya no estaba en boga y sus primeros discos se caracterizan por cambios de estilo, desde el euro-disco hasta el pop. 'Reel to real cacophony' (1979) ya anunciaba sonidos new wave con temas como 'Premonition' y 'Empires & Dance' (1980) contenía temas más experimentales con composiciones como 'I travel'. Ese año, Peter Gabriel (uno de sus modelos) se fija en ellos y los elige como teloneros en su gira europea..
En 1994 la banda ya sólo consistía en el dúo Jim Kerr y Charlie Burchill. Con músicos contratados grabaron 'Good News from the Next World', cuyas ventas en Estados Unidos fueron inferiores a los anteriores.
Sin embargo en Europa, la respuesta fue mucho más positiva, alcanzando el álbum el puesto nº2 en las listas británicas y generando dos hits en el Top20: 'She'a a river' y 'Hypnotised'. Con 'Neápolis' volvieron a reinventarse y se inspiraron en sus primeros días de pop electrónico basado en grupos como Kraftwerk. Fue su primer álbum no publicado en Estados Unidos y tampoco en Europa tuvo mucha relevancia. En 2001 apareció 'Neon Lights', un álbum de versiones en el que rinden tributo a Patti Smith, Neil Young, y David Bowie, entre otros, y en 2002, 'Cry', tras cuya publicación de embarcaron en una gira norteamericana, pero tampoco las ventas de 'Cry' fueron satisfactorias.
Burchill, Gaynor y Kerr
A mediados de la década surgió un revival de la new wave ochentera y aparecieron en escena grupos en la vieja onda como los Killers e Interpol. Se revivieron antiguas glorias como Duran Duran y aquello parecía el momento perfecto para un resurgimiento de los Simple Minds. Con 'Black & White 050505', publicado en septiembre de 2005, recuperaban a Mel Gaynor a la batería. En él regresaban a propuestas musicales de la época de 'Once upon a time', logrando las mejores críticas en muchos años.
Jim Kerr y Charlie Burchill
Siguen en activo realizando numerosas giras y actualmente, tras su entrega de estudio más reciente, 'Graffiti Soul' (Top10 en Inglaterra), aparecido en 2009, han publicado '5x5' un doble CD en directo que recoge temas de la gira celebrada en primavera de 2012.
Hoy cumple 68 años el trompetista y fliscornista norteamericano Randy Brecker, nacido en Filadelfia (Pennsylvania). Creció en el seno de una familia de músicos. Su padre era pianista y su hermano menor un saxofonista con el que grabaría más de un disco bajo el nombre de Brecker Brothers.
Pero el inquieto Clapton dejó el grupo repentinamente en agosto de 1965 para volver en noviembre y en julio de 1966 lo dejó definitivamente para formar el trío Cream con Ginger Baker y el ex-Bluesbreaker Jack Bruce. A Mayall no le afectó demasiado, ya que comprendió desde el principio que no todos los músicos iban a someterse a sus estrictas formas clásicas y les animaba frecuentemente a dejar el grupo y explorar nuevos caminos y formas musicales..jpg)
En 1967, tras la publicación de 'A Hard Road', Mayall y sus Bluesbreakers realizaron su primera gira por Estados Unidos, donde fue tan bien recibido que el músico decidió instalarse en Laurel Canyon (California). Siguió siendo un purista del blues, lo que no le impidió explorar todas las posibilidades del género. En una época en la que todos electrificaban y amplificaban su música, Mayall grabó en 1969 'The Turning Point', un álbum acústico cuya particularidad era la ausencia de batería y que generó su tema más conocido 'Room to move'. El álbum fue su obra más vendida y alcanzó la categoría de disco de oro. Le siguieron 'Empty Rooms' (1970) y 'Back to the Roots' (1971).
Si bien sus más recientes discos adolecen de un cierto debilitamiento artístico, John Mayall aún mantiene unos estándares mínimos, que le aseguran la continuidad en el gusto de los amantes del blues. Por eso, sus discos aun son esperados, y sus conciertos concurridos. Con ocasión de su 70 cumpleaños se celebró un concierto homenaje en Liverpool en verano de 2003, en el que participaron como estrellas invitadas Eric Clapton, Mick Taylor y Chris Barber.
