Steve Reich

Hoy cumple 77 años el compositor estadounidense Stephen Michael 'Steve' Reich nacido en Nueva York en 1936. Hijo de un abogado y una pianista separados, creció en California y fue su padre quien le insistió en que estudiara piano desde su más temprana edad, y así lo hizo, uniendo las influencias del jazz, la música barroca y algunos contemporáneos. Quedó realmente sorprendido por Stravinsky, Bach, Debussy y Perotin, y, a los 14 años forma su primer quinteto, entusiasmado con los músicos de jazz que sonaban por ese tiempo.

En 1957 se gradúa en la Cornell University con honores en Filosofía, y del 58 al 61 estudia en la Juilliard, teniendo como profesores a William Bergsma y Peter Persichetti. Allí conoce a otro estudiante, un avanzado y renovador de la música, Philip Glass, con el que entabla una gran amistad, que les llevará a trabajar juntos, pero por poco tiempo, aunque esto será significativo ya que sus carreras posteriores guardan una estrecha relación de estilo.

El jazz es una parte importante en la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en su obra fueron los vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller, cuyo énfasis en las capacidades artísticas de la voz sola con poco vibrato y otras alteraciones, fue una inspiración en sus primeras obras. El estilo de John Coltrane, que Reich ha descrito como «tocando muchas notas con pocas armonías», también le influyó, en especial el LP «Africa/Brass», que «era básicamente media hora en Fa».
La influencia del jazz incluye sus raíces, y Reich también estudió la música de África del oeste en sus lecturas y en una visita que hizo a Ghana. Otras influencias importantes fueron Kenny Clarke y Miles Davis, así como otros artistas visuales amigos suyos como Sol Lewitt y Richard Serra.

Considerado por muchos “el mejor compositor americano aún vivo”, Steve Reich, es, sin duda, un nombre imprescindible para la música contemporánea actual y para muchos otros géneros que le guardan un considerable respeto y le tienen como una importante influencia. Reich conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass, representa fielmente esa estética –notación agrupada en racimos de pocos elementos, repetidos y variados insistentemente durante minutos, dando esa sensación ya familiar de economía de recursos y efecto hipnótico–, sin olvidar el aderezo exótico –Reich ha introducido en numerosas ocasiones elementos de la música del sudeste asiático, principalmente el gamelan de Bali– ni tampoco una vocación urbana y un swing que, de una forma muy peculiar, le equipara a titanes de la música americana de la primera fase del siglo pasado como Gerswhin.

En el año 64 oye el “In C”, de Terry Riley, y queda muy impresionado. Inspirado por éste, grabará en 1965 una de sus piezas más famosas y, desde luego, innovadoras, “It´s gonna rain”, en donde lo único que se oye durante largos minutos es la voz del predicador Brother Walter repitiendo insistentemente estas tres palabras, en un “loop out of phase” (terminología reichiana), que rompe esquemas.

En “Come out” (1966) se repite el sistema anterior, pero esta vez basándose en unos disturbios callejeros que llevaron a una brutal muerte a unos jóvenes de color.

Pendulum Music

“Pendulum music” (1968)  aparece con una nueva y original técnica del autor: dejar un micrófono suspendido en péndulo. De aquí también es “Clapping music”, una pequeña muestra donde tan solo suenan un par de manos haciendo palmas a compás.
Luego vendrían “Piano phase”, “Violin phase” (ambas del 67), y “Four organs” (1970), donde ya se respira la esencia minimalista y se empieza a utilizar la terminología del autor (phase), y en donde aparecen músicos desarrollando piezas para determinado instrumento, bien solo o acompañado (como las 2 primeras).

Gamelan libanés

Interesado en la música étnica, en los 70 decide viajar a África (al contrario de sus compañeros, que eligieron India u otros países orientales), y estudia en la Universidad de Accra, Ghana. De aquí sale: “Drumming” dividida en cuatro partes y de casi dos horas de duración (pieza de percusión, como su nombre indica, que grabó atacado por la malaria.). De 1973 a 1974, ya en los EE.UU, estudia el gamelan balinés, del que queda absolutamente prendado. Así, graba “Music for mallet instruments, voices and organs” (1973).

En 1976, aparece una de las obras maestras del autor: “Music for 18 musicians”, una extraña obra inspirada de lleno por el gamelan con aires “incistas” en el que, con su numeroso “ensemble”, consigue crear una estructura rígida, complejidad sonora, espontaneidad vocal, y un énfasis dinámico.

"Music for 18 Musicians"

Marca un punto y aparte en la carrera del compositor. “Music For 18 Musicians” comprende todo el lenguaje desgranado por Reich en piezas sueltas en una sola unidad majestuosa en la que una idea económica –ciclos repetidos de muy pocas notas– se organiza y modifica en infinitas variaciones gracias al intercambio de papeles y turnos de los 18 músicos del ensemble. Los primeros minutos y los últimos resultan ser muy diferentes entre sí, pero las transiciones constantes dan la sensación de que no ha pasado nada, que se ha estado inmerso en un único juego armónico. La influencia de “Music For 18 Musicians” en el techno ha sido crucial –aquí está, resumida y depurada, la idea de “loop”–, pero más importante aún es la consecución de Reich de una obra infinita, que podría ser tocada sin descanso sin perder, jamás, un ápice de belleza.
Del estilo e inspiración de ésta nacen otras como: “Music for a large ensemble” (1978), “Octet (eight lines)” (1979). Parte 1, y “Variations for winds, strings and keyboards” (1979).

Beryl Korot y Steve Reich

La ascendencia judía de Reich (que prácticamente estaba olvidaba tras sus tiempos de estudiante, donde practicó yoga y otras disciplinas orientales), renace cuando conoce a la que será su segunda mujer, la videoartista Beryl Korot. Ambos se casarán y viajarán a Israel en el 77 y estudiarán los cánticos y la música hebrea, y así, nace “Tehillim” (1981), una recopilación de salmos bíblicos cantados en hebreo. Tras ésta, renace el interés de sus obras iniciales por la combinación entre la música y la palabra recitada, como es “Desert music”, donde se cantan versos del poeta William Carlos Williams. Surgen de nuevo las piezas de cámara, como “Sextet” (1985),  galardonada con el Pulitzer y “New York Counterpoint” (1985, interesante versión de Bang on a Can ).

Una fantástica composición de Reich fue “Electric Counterpoint” (1987), una pieza de guitarra (eléctrica y clásica) tocada por el artista jazz Pat Metheny, que está incluida en “Different trains” (1987).

“Different Trains” es un disco clave y que siempre será nombrado cuando se hable de Reich, ya que representó todo un hito musical, al hacer que, al rato que suena la música, los diálogos surjan al tiempo, creando una melodía. Por este CD estuvo nominado al Grammy, y, como la mayoría de los de Reich, tiene una historia detrás. Esto tiene que ver con la infancia del compositor. Como se nombró antes, los padres de Reich se separaron cuando el tenía un año. Su madre se fue para Los Ángeles y su padre se quedó en Nueva York. Cuando se pusieron de acuerdo sobre la custodia, Steve tenía que viajar asiduamente de Nueva York a Los Ángeles acompañado de su niñera, de 1939 a 1942. Reich lo recuerda como unos viajes excitantes y a la vez, tediosos.

Kronos Quartet

Está interpretada por el Kronos Quartet, por aquel entonces el más radical de los grupos de cámara de la música contemporánea americana, y con el que todos los compositores minimalistas, tarde o temprano, fueron estableciendo sinergias positivas. Dividido en tres movimientos “America. Before The War”, “Europe. During The War” y “After The War”, suena a la música que debería haber utilizado Lars Von Trier en el comienzo de “Europa”, siguiendo el recorrido mesmerizante por las vías de un tren en camino hacia lo oscuro, por su simultaneidad de cuerdas tenebrosas y loops de voces que luego volverán a aparecer, maximizadas, en “City Life”. En los 90 comienza a trabajar con su mujer en el campo del video y multimedia, creándose una unión también profesional, y que crea, junto a su interés por la religión judía y la tecnología e innovación, la ópera bíblica “The cave” (1993), basada en esta antigua tradición, usada de forma muy original y novedosa, llenando el escenario de pantallas donde van apareciendo los personajes en distintas entrevistas que les realizan y que sirven de presentación y desarrollo.

Con “City life” (1995), otra colaboración en el campo del video de Reich, deja como resultado otra ópera basada en su vida y en Nueva York.

Muy experimental también, se oye la voz del predicador, sonidos callejeros (como sirenas, coches, etc., parecido a “Different trains”), y las reacciones del primer ataque que sufrió el World Trade Center de NY en 1993. También están las obras “Nagoya marimbas” (1994), y “Proverb” (1995), un encargo de Paul Hillier con texto de Wittgenstein. “Three tales”, sin embargo, es otra ópera en tres actos en los cuales se cuentan tres historias mundiales: en el primero, el choque del Zeppelín en Nueva Jersey en 1937; el segundo, las pruebas nucleares en el atolón de Bikini del año 46 al 52; y el tercero, la clonación de la oveja Dolly en 1997. Pero no sería esta la última colaboración de Reich en el campo de la imagen con su esposa. “Hindenburg” (1998), es la última ópera multimedia con Beryl Korot, basada en el uso de múltiples pantallas por el escenario (como “The cave”). Obtuvo un segundo premio Grammy en 1999, por la obra “Music for 18 Musicians”, grabada también en Nonesuch. En julio de 1999 el Lincoln Center Festival presentó una gran retrospectiva con sus obras. Un año antes, en 1988, el South Bank Centre de Londres, montó una retrospectiva similar programando varios conciertos.

"Triple Quartet"

Reich también volvió a componer trabajos puramente instrumentales para las salas de concierto, comenzando con “Triple Quartet” (1998) 1 Mov. escrito para el Kronos Quartet que puede ser interpretado tanto para cuarteto de cuerdas y cinta (tres cuartetos de cuerda) o por una orquesta de 36 instrumentos. Según Reich, la obra está influida por Bartók y los cuartetos de cuerda de Alfred Schnittke. Esta vena instrumental continuó con las obras “Dance Patterns” («Patrones de danza», 2002), “Cello Counterpoint” («Contrapunto para violoncello», 2003), y la serie de obras centrada en las variaciones: “You Are” (Variations) (2004) —un trabajo en el que vuelve de nuevo a la escritura vocal de obras como Tehillim o The Desert Music— “Variations for Vibes, Pianos, and Strings” (2005), para la London Sinfonietta) y “Daniel Variations” (2006).

Steve Reich y Sonny Rollins

En el año 2007 Steve Reich y el saxofonista Sonny Rollins fueron distinguidos con el Premio de Música Polar 2007 («Polar Music Prize»), que otorga la Real Academia Sueca, considerado el Premio Nobel de la Música. La justificación del galardón dice que Reich ha logrado «de un modo personal, e inspirado por diferentes culturas, que la variación minimalista se convierta en un universo completo de música con una sonoridad de belleza inmediata». Reich ha trasladado además cuestiones sobre la fe, la sociedad y la filosofía «a un sonido hipnótico que ha inspirado a músicos y creadores de todos los géneros».